ELVELLON – Interview avec Nele Messerschmidt

Nouveaux venus chez Napalm Records, les Allemands de ELVELLON ont sorti le 17 mai 2024 un album qui devrait ravir les amateurs de metal symphonique, et particulièrement les nostalgiques des années 2000, marqués par les premiers albums de Nightwish et Within Temptation… Si de nombreux groupes ont évolué, cherchant à s’éloigner de leurs racines, ELVELLON choisit avec Ascending In Synergy d’embrasser pleinement ce genre que les musiciens aiment tant, l’écrin parfait pour exprimer sa créativité.

Bonjour Nele, comment vous sentez-vous maintenant que le nouvel album d’Elvellon est sorti, il ​​y a quelques semaines. Qu’en est-il des réactions et des critiques des fans et des médias ?

Salut. Je me sens super bien. Cette sortie nous a donné des retours très positifs et nous ne pourrions être plus heureux de la réaction de nos fans et des journalistes en ce moment. Alors que je me trouve au milieu de tout cela, voir un album se développer et comment tout ce que l’on a préparé se révèle, le simple fait de voir tout cela se produire, me rend curieuse de toutes les opportunités que cela pourrait offrir. J’aime voir les réactions sur les visages des gens lorsqu’ils écoutent Ascending In Synergy pour la première fois. Donc oui, ça s’est bien passé jusqu’à présent.

Avant de parler d’Ascending In Synergy, peux-tu m’en dire plus sur ta carrière de chanteuse et comment Elvellon a-t-il été créé ?

Elvellon a été fondé en 2010 par notre batteur Martin Klüners avec notre claviériste Pascal Pannen et un ancien guitariste. À l’époque, la magie a commencé à opérer dans une petite salle de répétition de notre ville natale, Moers. En 2010, peu de temps après la création du groupe, Martin et moi nous sommes rencontrés par hasard lors d’une fête d’anniversaire entre amis communs. C’est essentiellement là que ma carrière a commencé, si tu veux. Je n’ai jamais eu en tête de faire partie d’un groupe qui prend les choses aussi au sérieux. Je veux dire, quelles sont les chances ? Mais depuis, j’ai continué à approfondir ce que cela signifie pour moi d’être musicienne. J’ai suivi des cours de chant et j’ai appris à utiliser ma voix comme un instrument. Lentement mais sûrement, Elvellon a commencé à enregistrer ses premières démos et Gilbert, notre guitariste actuel, nous a rejoints en 2012. En premier lieu, il nous a aidés avec l’enregistrement mais a volontiers saisi l’occasion de nous rejoindre en tant que membre permanent. Après un an, nous avons finalement pu sortir Oraculum dans le monde et les gens nous ont donné les meilleurs retours. Cela, ainsi que de nombreuses réactions positives en live, etc. nous ont incités à nous plonger dans les enregistrements de notre EP Spellbound en 2015, et enfin de notre premier album Until Dawn en 2018. Nous voulions vraiment offrir la perfection autant que possible pour nous. Nous étions tellement occupés à trouver notre son et nous en tant que groupe, je crois que cela s’entend dans notre musique. Pendant ce temps, j’ai fait un featuring ici et là (par exemple avec Lost In Grey). Dans l’ensemble, ce voyage m’a beaucoup appris en tant que musicienne et être humain. Je ne pourrais pas être plus reconnaissante.

Et maintenant vous sortez votre deuxième album sur Napalm Records ! Félicitations ! Peux-tu nous raconter comment cela s’est passé ? Signer sur ce label était-il un de vos objectifs ? Avez-vous postulé ou vous ont-ils téléphoné un jour par surprise ?

Merci beaucoup 🙂 Depuis le début de ce groupe, nous l’avons toujours pris au sérieux. En 2010, nous avons marqué un tournant dans l’industrie musicale. Beaucoup de grands artistes aujourd’hui sont heureux sans label, mais l’espoir de pouvoir un jour signer sur un grand label comme Napalm Records était gravé en nous dès le début. C’est un peu le rêve d’enfance que nous avons tous partagé. Après avoir sorti Until Dawn, nous avons rejoint Visions Of Atlantis pour leur tournée à travers l’Allemagne. Le dernier soir après le concert, Thomas Caser s’est assis avec nous pour discuter un peu et a finalement posé cette fameuse question que nous avons toujours espéré qu’on nous pose : « Voulez-vous devenir des rockstars ? ». Comme nous faisions partie d’une tournée avec trois groupes, cela nous semblait être une pure chance et nous ne pouvions pas nous retenir, alors nous avons dit « oui » immédiatement. Les documents sont arrivés peu de temps après et le reste appartient à l’histoire.

Parlons un peu de votre son. Vous faites du metal symphonique, mais dans un esprit un peu old school. Qu’aimez-vous dans le metal symphonique, en particulier celui des années 90 et 2000 ?

Comme nous nous sommes réunis en tant que cinq personnes aimant toutes sortes de musique, le vieux metal symphonique des années 90/2000 s’est révélé être le son sur lequel nous étions tous d’accord, et avec lequel nous avons grandi. Donc, pour être honnête, c’est tout simplement dans notre sang. J’ai moi-même l’impression que c’est une excellente façon de m’exprimer, d’exprimer tous les sentiments – il n’y a pas de limites à la dramaturgie et à la créativité. C’est tellement amusant de construire couche après couche. Et c’est ce qui le rend si aventureux et amusant à explorer. Le metal symphonique est bien plus que des clichés comme une voix classique féminine, des chœurs et des parties orchestrales monumentales. C’est plutôt de l’amour, de la passion et de l’honnêteté : vous pouvez lâcher prise mais de manière pompeuse, vous savez  ?

À l’époque, lorsque le metal symphonique est devenu populaire, en particulier les groupes « à chant féminin », les gens et les médias disaient que le genre était saturé, avec trop de groupes. Ce qui est un peu stupide, dit-on qu’il y a trop de groupes de death metal ? Mais aujourd’hui, de nombreux groupes de metal symphonique ont changé leur son pour un metal plus moderne, ce qui finalement vous démarque. Dirais-tu qu’aujourd’hui est le moment idéal pour votre musique ?

Bien sûr, le genre était saturé. Tout comme cela arrive avec tous les genres populaires à un moment donné. Mais je peux comprendre ce sentiment que cela ressemble à un cliché attaché au metal particulièrement symphonique. La base de fans est plutôt petite par rapport aux autres genres metal. Il semble donc qu’il y ait moins de gens que l’on puisse atteindre avec l’étiquette metal symphonique. La clé, à mon avis, est de savoir si vous le faites pour la popularité ou parce que vous l’aimez vraiment. Si vous l’aimez, il n’y a pas de limite. Je crois que le moyen le plus rapide de laisser votre son se faire tuer est de vous laisser dicter la manière de sonner. Si vous aimez ce que vous faites, faites-le. Si vous êtes capable d’incorporer votre ADN dans votre son, cela fait toute la différence. Nous sonnons comme nous sonnons parce que nous souhaitons simplement laisser les choses se faire. Si cela nous semble génial, nous continuons à travailler exactement là-dessus jusqu’à ce que le résultat nous semble correct. S’il y a de la passion et de l’inspiration, cela ne peut pas être faux.

Comment gérez-vous les comparaisons, surtout quand les gens disent que vous ressemblez à Nightwish (première période) ?

C’est à double tranchant. Tout d’abord, la plupart des gens considèrent cela comme un compliment. Et qui suis-je pour ne pas le prendre comme tel ? C’est une comparaison simple pour que tout le monde sache à quoi ressemble notre musique. Je trouve aussi positif que quelqu’un nous compare aux parrains de ce genre. Nous mettons tellement d’amour, de sueur et de larmes dans notre musique et nous essayons toujours de la pousser à la perfection, donc c’est vraiment flatteur.
L’autre côté est que nous sommes des artistes individuels. Et il est difficile de sortir de l’ombre du travail de quelqu’un d’autre. Surtout s’ils sont aussi grands et estimés. Nous voulons faire notre propre travail et mettre notre propre travail au monde. Pourtant, les comparaisons permettent aux gens de mieux comprendre les choses. Donc je ne suis pas du tout en colère contre ça. J’en retire les aspects positifs, car cette comparaison restera probablement pour toujours.

Qu’aviez-vous en tête en créant Ascending In Synergy ? Avez-vous changé certaines choses par rapport à l’album précédent, en termes d’écriture ou de production ?

Pour être honnête, notre processus d’écriture a beaucoup changé. En écrivant Ascending In Synergy, nous avons dû créer une nouvelle musique, mais simultanément nous avons dû faire face à toute notre croissance personnelle et aux changements qui y étaient liés. Nous avons réussi à nous y adapter, mais cela n’a pas été facile, laissez-moi vous le dire. Nous sommes une famille et chacun a besoin de sa place pour évoluer et créer. Et rétrospectivement, je peux vous assurer que cela se retrouve sur notre nouvel album – notamment au niveau des paroles. D’un point de vue sonore, nous avons également intensifié nos efforts. Pour parler de nouvel équipement, par exemple, un nouveau microphone que Gilbert a acheté pour les enregistrements vocaux. Pour les parties orchestrales, nous nous sommes associés à Louis Viallet. Cette fois, nous avons également pu enregistrer davantage de voix dans notre salle de répétition, ce qui nous a donné plus de temps et de flexibilité – et nous a permis d’économiser beaucoup d’argent.

Qu’aimes-tu exprimer dans tes paroles ? Es-tu plutôt conteuse d’histoire ou plutôt tournée vers les émotions ?

Cela se résume à une combinaison des deux. Pour AIS, nous ne voulions pas d’un autre album concept comme Until Dawn. Cela nous a semblé clair très tôt dans le processus. Au fur et à mesure que notre processus d’écriture a changé pour cet album, à part moi, Martin et Gilbert ont également contribué à l’écriture des paroles. Lorsqu’il s’agit d’écrire des paroles, nous essayons de raconter des histoires tirées de la vie réelle mais de les amener dans le monde magique d’Elvellon.

Peux-tu m’en dire plus sur la chanson la plus longue de l’album, « The Aeon Tree », qui dure plus de 9 minutes ? Et a qui est la voix masculine sur le spoken words ?

« The Aeon Tree » est liée à notre chanson « Shore To Aeon » sur notre premier album Until Dawn et les paroles ont été écrites par Martin. Lors de l’écriture des instrumentaux, nous essayons de découvrir une chanson et de la laisser s’écrire toute seule. Cela semble facile, mais c’est vraiment difficile. Si nous avons l’impression que la chanson ne se termine pas après 3,30 minutes, nous ajoutons ce dont nous pensons que la chanson a besoin pour raconter son histoire. Il peut donc facilement arriver que cela dure aussi longtemps. La partie parlée en est un très bon exemple. Cela a été prononcé par Amrit Sandhu. Et il a fait un travail formidable.

Vous avez tourné quelques clips pour promouvoir l’album. Pouvez-vous m’en dire plus sur la façon dont ils sont créés, et dans quelle mesure êtes-vous impliqué dans le scénario, le choix des décors, etc. « A Vagabond’s Heart » par exemple a été tourné dans un endroit magnifique.

Au fur et à mesure que le processus de création musicale se déroulait, nous n’avions jamais eu en tête de sortir cette chanson en single. Mais notre label le suggérait et nous voulions essayer. Et ça s’est bien passé. Mais nous devions aussi trouver quoi filmer pour le clip. Les paroles de la chanson ont été écrites par moi-même et racontent l’histoire de notre chemin à travers la vie tout en réalisant que le voyage est ce qui compte et comment je suis arrivée à la conclusion que chaque aspect de la vie me ramène à moi-même. Je voulais donner aux gens les moyens d’oser littéralement « monter à bord ». La vie peut parfois être difficile, mais à la fin, la boucle est bouclée. Si ce n’est pas le cas, ce n’est tout simplement pas la fin. Rétrospectivement, ce thème correspondait vraiment à notre parcours en tant que groupe au cours des deux dernières années et à la façon dont nous avons réussi à poursuivre ce voyage pour revenir en force. Parfois, il suffit d’écouter son instinct et de faire les choses parce qu’elles nous semblent bonnes – tout comme nous l’avons fait pour « A Vagabond’s Heart ».

Je sais que vous n’avez pas de projets de tournée pour le moment, mais espérons que vous viendrez bientôt en France. Quels sont vos souhaits concernant les futures tournées ?

Nous espérons sincèrement partir en tournée le plus tôt possible. Nous voyons et entendons nos fans désireux de nous voir en live et nous donnons tout pour rendre cela possible ! Nous aimons vraiment être en tournée et jouer en live, rencontrer les gens et leur parler. L’échange est vital pour moi et pour nous tous. Alors croisons les doigts pour que nous puissions bientôt conquérir le monde ! Pour l’instant, nous avons deux dates fixées en Allemagne : le 13 juillet au Dong Open Air et le 29 juillet Aschaffenburg avec Van Canto. Nous avons hâte d’être sur scène !

Je te laisse ajouter quelque chose si tu le souhaites, et laisse moi te remercier d’avoir pris de ton temps pour répondre cette interview !

Merci beaucoup de m’avoir invité. C’est toujours un plaisir de représenter Elvellon et j’en profite pour remercier nos fans qui sont les plus grands supporters de notre travail !
À tous les nouveaux, je souhaite vous accueillir de tout cœur à bord et j’espère que vous profiterez de l’occasion pour découvrir notre musique et plonger dans les vastes océans de magie et de découvertes.